Entre los productos de Jackson

Entre los productos de Jackson más caros de la subasta estará también un Mercedes Benz de 1985, que adquirió el "rey del pop" para usarlo en su rancho de Neverland y que posteriormente regaló a una de sus tías por su cumpleaños.

El coche se espera que alcance un precio final de entre 20.000 y 30.000 dólares.

Una guitarra acústica tocada por el cantante rondará los 8.000 dólares, lo mismo que una chaqueta que vistió en la gira "Bad" y un sombrero que lució en una entrega de premios en 1995.

Un manuscrito de Jackson con la letra de la canción "Beat it" se valoró entre 2.000 y 4.000 dólares.

El álbum "Thriller" será uno de los elementos centrales de la subasta, donde se ofrecerá desde vestuario de zombies empleado para rodar el vídeo musical, hasta una copia de esa grabación en formato de 35 milímetros, pasando por un molde de dentadura de muerto viviente.

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En diciembre, concierto binacional de sinfónicas

Un ejemplo se verá el 15 de diciembre próximo, cuando 100 músicos de la Orquesta Sinfónica de Colombia y 100 de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar se presentarán en Bogotá.
Estarán dirigidos por el maestro Gustavo Dudamel, una de las revelaciones en dirección de orquestas.
El concierto binacional tendrá lugar en la capital de país, en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, a las 8 de la noche.
La unión de las orquestas fue posible gracias a un acuerdo de cooperación firmado por la ministra de Cultura, Mariana Garcés, y José Antonio Abreu, director del Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles del vecino país.el tiempo


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Dj Sharam

Sharam Tayebi es un dj iraní-estadounidense que fue parte del proyecto Deep Dish. Este importante dj ha mezclado para artistas como Michael Jackson, Madonna, Rolling Stones, Justin Timberlake, Eminem, Tina Turner, Dido; e incluso trabajo al lado de Shakira mezclanado el himno del mundial, 'Waka, Waka'.

Sharam es el único dj que ha sido galardonado con un premio Grammy por la mejor mezcla de una canción en el 2002 'Thank You' de Dido. Durante su carrera ha trabajado para sellos como Data Records y Yoshitoshi Recordings, disqueras con las que ha podido grabar éxitos como 'Be the change', 'Say hello', 'Don¿t say world' y muchos más. el tiempo

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Sleepy John Estes

Sleepy John Estes fue un guitarrista y cantante de blues, nacido en Ripley, Tennessee, el 25 de enero de 1899 (aunque algunos autores lo cifran en el mismo día de 1904), y fallecido en Brownsville, Tennessee, el 5 de junio de 1977. wikipedia

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Gary Davis en los 40

En la década de 1940, la escena musical del blues comenzaba a decaer en Durham, por lo que Davis se trasladó a la ciudad de Nueva York. En la década de 1960 empezó a ser conocido como "el cantante callejero de Harlem", siendo "la" persona a la que había que acudir si alguien quería aprender a tocar la guitarra. En su faceta de profesor, Davis fue una persona extremadamente paciente y comprensiva, asegurándose de que sus alumnos aprendieran y adaptaran su forma única de tocar la guitarra. El resurgir del folk en la década de 1960 relanzó su carrera musical, alcanzando su cota más alta en su actuación en el 'Newport Folk Festival' y en la grabación de la canción "Samson & Delilah" por parte del grupo Peter, Paul and Mary; esta canción, también conocida como "If I Had My Way", era originalmente un tema de Blind Willie Johnson que Davis popularizó. wikipedia

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biografia de Gary davis

Nacido en Laurens, Carolina del Sur, Davis se quedó ciego a muy corta edad; seducido por la guitarra, desarrolló un estilo de fraseo múltiple producido únicamente con sus dedos pulgar e índice, interpretando tanto música ragtime y blues como melodías tradicionales y originales en armonía a cuatro voces. A mediados de la década de 1920 se trasladó a Durham, Carolina del Norte, uno de los centros de la cultura afroamericana más importantes de aquel periodo; en Durham, Davis colaboró con un número importante de artistas de la escena musical del Piedmont blues, como Blind Boy Fuller y Bull City Red. En 1935, el encargado de una tienda, famoso por ayudar a los artistas locales, presentó a Davis (junto con Fuller y Red) a la compañía discográfica 'American Record Company', comenzando así la verdadera carrera musical de Davis. En esta época se convirtió al cristianismo; más tarde sería ordenado ministro baptista. Debido a su conversión, y especialmente tras su ordenación, Davis comenzó a interesarse por la música gospel. wikipedia

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Reverend Gary Davis

Reverend Gary Davis, conocido también como Blind Gary Davis (30 de abril de 1896 - 5 de mayo de 1972), fue un cantante afroamericano de blues y música gospel además de un aclamado guitarrista. Su estilo característico a la hora de tocar la guitarra, conocido como Fingerpicking, influenció a muchos bluesmen, así como a artistas posteriores como Grateful Dead, Bob Dylan, Keb Mo, Olabelle y Resurrection Band al igual que a alumnos suyos de la ciudad de Nueva York como Stefan Grossman, Roy Book Binder, Woody Mann y Ernie Hawkins. wikipedia

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Ida Cox

Ida Cox (Octubre de 1890 - 10 de noviembre de 1967) fue una cantante estadounidense afro conocida principalmente por sus grabaciones e interpretaciones de blues.
Cox nació en octubre de 1890, aunque históricamente se fecha su nacimiento en febrero de 1896 como Ida Prather en Toccoa, Georgia (en aquella época Toccoa se encontraba en el condado de Habersham y no en el condado de Stephens). Hija de Lamax y Susie Prather, pasó su infancia en Cedartown (Georgia), cantando en el coro local de la iglesia metodista africana; dejó su casa para iniciar una gira con varios 'minstrel show'. Contrajo matrimonio con el intérprete de minstrel Adler Cox.
Tras el abrumador éxito, en 1920, de la grabación del tema "Crazy Blues" de Mamie Smith, las compañías discográficas se dieron cuenta que había una demanda importante para grabaciones de música racial; la era de las intérpretes clásicas femeninas de blues había comenzado y se extendería por toda la década de 1920. Desde 1923 hasta 1929, Cox realizó numerosas grabaciones para la discográfica Paramount Records, además de realizar varias giras (en las cuales solía adquirir el nombre de "Sepia Mae West") hasta la década de 1930. En 1939 apareció en el Café Society Downtown, en Nueva York, participando en el histórico concierto del Carnegie Hall.
Ese mismo año, retomó las grabaciones con una serie de sesiones en el discográfica Vocalion Records y, en 1940, realizó grabaciones con la discográfica Okeh Records en las cuales intervinieron el guitarrista Charlie Christian, los trompetistas Hot Lips Page y Henry "Red" Allen, el trombonista J.C. Higginbotham y Lionel Hampton. Hacia 1960, época en la que llevaba ya varios años retirada, el productor musical Chris Albertson logró persuadirla para que que grabara su último disco para la discográfica Riverside Records: en dicha grabación la acompañaban Roy Eldridge, Coleman Hawkins, el pianista Sammy Price, el bajista Milt Hinton y el batería Jo Jones. Cox se refirió a este disco como "su última declaración". Tras esta grabación volvió con su hija a Knoxville, Tennessee, donde falleció en 1967. wikipedia


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Fernando Sor

Fernando Sor (13 de febrero de 1778 – 10 de julio de 1839) fue un guitarrista y compositor nacido en Barcelona. Se le conoce a veces como el “Beethoven de la guitarra” en España.
Nacido en el seno de una familia bastante acomodada, Sor descendía de una larga línea de soldados e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta.
Sor estudió música en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona, hasta que su padre murió. Su madre no pudo seguir financiando sus estudios y lo retiró. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas para guitarra. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso. wikipedia

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la estancia de Carulli en París

La primera mitad del siglo XIX experimentó un surgimiento del interés en la guitarra, fomentado por virtuosos que además de componer, desarrollaban "métodos" para los aspirantes. París, como centro para los aficonados a la guitarra atrajo luminarias tales como el madrileño Dionisio Aguado, el barcelonés Fernando Sor (quien también estuvo algún tiempo en Londres), el nacido en Francia Napoleón Coste, el florentino Matteo Carcassi y Carulli. quien se volvió el guitarrista más prominente de la ciudad -ocasionalmente rivalizando con Carcassi- hasta que en 1823 Sor arribó a la capital francesa. wikipedia

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biografia de fernandino carulli

Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nació en Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra, abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento.
Por aquel entonces no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra.
Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer, con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus obras.
Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra. Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841.wikipedia

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El auge de la "West Coast" y el renacimiento del Este

Después de que N.W.A. se disolviera, Dr. Dre (un miembro del grupo) publicó uno de los mayores pelotazos de la historia del género, The Chronic (1992), consiguiendo subir en los primeros puestos de las listas gracias a todo un himno como "Nuthin' But a 'G' Thang". The Chronic redirigió a la costa oeste hacía una nueva dirección, en la que encontró influencias de artistas del sonido P Funk de George Clinton, uniendo los psicodélicos beats del funky con un rapeo sosegado y tranquilo, dejándose llevar, renombrando así el estilo en G funk, y dominando el mercado durante muchos años gracias a la plantilla del sello discográfico Death Row Records, dirigida por Suge Knight y que contaba con artistas de la talla de Snoop Doggy Dogg, (cuyo Doggystyle triunfó, "What's My Name" y "Gin and Juice", fueron los principales hits), 2Pac, Dr. Dre, Warren G o Nate Dogg. Dogg Pound, dúo compuesto por Kurupt y Daz Dillinger, también tuvo su éxito, aunque menor respecto a sus compañeros de Death Row, con el álbum Dogg Food de 1995. 2Pac entró en la historia en 1996 con el lanzamiento del primer doble-álbum de Rap, All Eyez On Me, que alcanzó el estatus de álbum diamante (más de 10 millones de copias vendidas). wikipedia

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Soul

En 1988 y 1989, los álbumes de De La Soul (Three Feet High and Rising), Divine Styler (Word Power), A Tribe Called Quest (People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm) y de The Jungle Brothers (Straight Out the Jungle) son considerados los primeros álbumes de Rap alternativo, con samples y bases de Jazz, algunas de ellas estrafalarias pero buenas, y con unas letras referentes a diversos tópicos sociales y fuertemente influido por el mensaje de Afrika Bambaataa de paz y respeto. Digable Planets también tuvieron éxito iniciados los 90 gracias al single "Cool Like Dat" del álbum Reachin' (A New Refutation Of Time & Space), aunque este movimiento alternativo se esfumó mediada la década de los 90, con la separación de A Tribe Called Quest y De La Soul, The Jungle Brothers y Gang Starr se retiraron del Hip hop Underground. Sin embargo, a finales de la década, justo cuando el gangsta rap y el pop rap estaban consumando un gran éxito comercial, el Hip hop Underground resucitó. El movimiento nu-soul (conocido también como neo-soul) fue influido por artistas como Mos Def (Black on Both Sides), Talib Kweli (Train Of Thought), The Roots (Things Fall Apart), Erykah Badu (Baduizm) y Slum Village (Fantastic Vol. 2). Mientras tanto, otra rama del subgénero estaba creciendo en popularidad gracias a Kool Keith (Dr. Octagonecologyst) y Company Flow (Funcrusher Plus), que desarrollaron un sonido basado en instrumentales extrañas y complejas letras. La discográfica Rawkus, casa de gente tan importante como Mos Def, Talib Kweli, Company Flow o Pharoahe Monch es seriamente reconocida con el resurgimiento del subgénero. La influencia del Jazz en el Rap alternativo estuvo menos pronunciada en los 90, con algunas excepciones, como Guru y su Jazzmatazz. El Jazz rap tuvo también especial importancia en el Reino Unido, ya que fue una de las influencias que desembocó en el Trip hop (fusión de Hip hop, Jazz y Música electrónica), movimiento comenzado por Massive Attack (Blue Lines en 1991), Portishead también obtuvo reconocimiento con su combinación de Billie Holiday (voces de Jazz con samples lo-fi de Hip hop, incluido turntablism), mientras tanto, DJ Shadow (con Endtroducing) ayudaba a repopularizar el Hip hop instrumental, además de tener una enorme influencia en la producción (Beatmakin) de Hip hop. Sin embargo, el éxito del álbum The Chronic de Dr. Dre, mostró que el gangsta rap era una forma de hip hop con más viabilidad comercialmente hablando. wikipedia

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Hip hop alternativo

Common comenzó en el Rap Underground a principios de los 90.

Guru, líder del dúo Gangstarr

Todavía existía vida más allá del mainstream, del gangsta rap, del pop rap o de cualquier otro subgénero que había colmado el éxito. En los suburbios, en lo subterráneo, empezaba a forjarse el hip hop alternativo o underground, donde los artistas tenían una conciencia social muy marcada (generalmente con tonos optimistas) que se vería reflejada en sus letras. Su éxito comercial no fue, ni es, ni será comparable al de los artistas mainstream, pero ellos se conforman con hacer el Hip hop que ellos han decidido, real, manteniendo los orígenes y la identidad del Rap. Sin embargo, en sus inicios (antes que el gangsta rap), este movimiento adquirió bastante éxito y un gran reconocimiento entre los críticos y el público. Es más, artistas con la etiqueta Underground como Common o A Tribe Called Quest, están más cercanos a la línea de pioneros como Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash. wikipedia

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Indie británico

El indie en Inglaterra tiene su origen a finales de los 70 y comienzos de los 80, cuando bandas inspiradas en el pensamiento punk de hacer todo por uno mismo, empiezan a tocar en los diferentes bares y pubs de Inglaterra.
La primera ola de indie británico se origina hacia 1984, cuando inspirados por el sonido de bandas post punk como Orange Juice y Aztec Camera, The Smiths saltan a la escena con su primer álbum. Resulta una revelación, ya que el uso de guitarras que parecía haberse olvidado en medio de la popularidad del new wave, retoma su importancia. Aunque bandas como James y The Housemartins, fueron claves en ese sentido, serían The Smiths los que conseguirían más éxito y fama gracias a las letras polémicas de su cantante Morrisey, y el sonido intrincado mezcla de rock clásico y rockabilly de la guitarra de Johnny Marr. wikipedia

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bandas del punk

Algunas de las primeras bandas de este género fueron The Sex Pistols, The Damned, The Clash o The Buzzcocks, y los norteamericanos The Ramones, Dead Boys y los australianos Radio Birdman y The Saints. El punk británico se caracterizó desde un principio tanto por sus innovaciones estéticas (pelo de punta, ropa rota, imperdibles, etc.) como por sus aspectos más sociopolíticos. Muchos punks están en contra de la sociedad, por eso, sus formas de vestir diferentes, lo mismo con sus peinados. wikipedia


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Punk

El punk es un subgénero del rock surgido en Estados Unidos y el Reino Unido a mediados de los años 1970. El punk comenzó en protesta a que el rock y sus variantes, se habían vuelto una herramienta para el mercado, y había perdido sus raíces por culpa de, entre otros, el rock progresivo. Por lo que se hizo este género en son de protesta.^[8] De ahí que este género buscase un sonido más básico, conforme al espíritu del «hazlo tú mismo». Las composiciones son sencillas y las interpretaciones no tienen que ser perfectas. Se busca la inmediatez y la agresividad en el sonido, por lo que suena generalmente más ruidoso que otros géneros del rock. wikipedia

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Hip hop

El hip hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip hop, por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti). wikipedia


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Movimiento por los derechos civiles y el jazz

El Movimiento por los Derechos Civiles en Estados Unidos fue una lucha no violenta para extender el acceso pleno a los derechos civiles y la igualdad ante la ley a los grupos que no los tienen, sobre todo a los afroamericanos. Esa lucha tenía como objetivo terminar la discriminación contra los afroamericanos y con la segregación racial, especialmente en los estados del Sur. Se considera que este período en 1955 con la Asociación para el Mejoramiento de Montgomery y finaliza con el asesinato de Martin Luther King Jr., aunque el movimiento por los derechos civiles sigue actuando. El trompetista Louis Armstrong contribuyó económicamente con este movimiento. Ray Charles (el cantante y pianista) también aportó a la causa. Archie Shepp (escritor, músico y activista político) comienza a usar su música para apoyar la lucha de los negros americanos. Compuso dos temas claramente relacionados con esta lucha: “Rufus" es la transposición musical del linchamiento de un negro y “The Funeral” está dedicada al secretario de la NAACP, Medgar Evers, quien había sido asesinado por aquellos años. Su disco más famoso fue Fire Music,^[13] en el que sus composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento, entre ellas, Malcolm X (activista de una organización llamada La nación del Islam). El baterista Max Roach, muy sensibilizado con la lucha de los negros introduce en su arte una intención totalmente política. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el disco We Insist! Freedom Now Suite,^[14] una declaración contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un café con gesto amenazante hacía sus tres clientes negros. Sonny Rollins y Coleman Hawkins graban Freedom Suite, que fue la primera composición de jazz explícitamente dedicada a la protesta. Sobre este disco, Rollins dijo “América está empapada en cultura negra”. Sostenía que los afroamericanos representaban la esencia de la cultura americana pero eran oprimidos por un grupo (europeos blancos). Freedom Suite era un grito de protesta contra la forma en la que se los trataba a los afroamericanos desde los días de la esclavitud hasta los días de la grabación del disco. Rollins fue un hombre brillante que logró canalizar sus sentimientos de opresión a través del ejercicio del arte. Sidney Bechet (clarinetista nacido en Nueva Orleans a fines del siglo XIX) dijo: “Después de la emancipación…todos los que han sido esclavos necesitan ahora la música más que nunca; es como si trataran de encontrar en esta música lo que se suponía que encontrarían con esta libertad: tocar la música y escucharla esperando que exprese lo que necesitan aprender una vez que hayan aprendido que no es sólo a los blancos a los que le tiene que llegar la música, sino directo a la vida, y a lo que un hombre hace con su vida cuando finalmente es suya. wikipedia

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A comienzos de 1910 en Chicago

A comienzos de 1910 en Chicago, un tipo popular de bandas de baile consistió en un saxofón tocando una melodía vigorosamente: Bud Freeman era su nombre. La ciudad pronto cayó en una fuerte influencia de los músicos de Nueva Orleans, y el estilo más antiguo se fusionó con el de Nueva Orleans para formar lo que sería llamado "Chicago Jazz".
A las orillas del Mississippi desde Memphis, Tennessee, hasta Saint Louis, Missouri, se desarrolló otro estilo de bandas que incorporaron el Blues. El compositor y líder más famoso de este estilo fue el "Padre del Blues", W. C. Handy. Mientras que en algunos aspectos era similar al estilo de Nueva Orleans (la influencia de Bolden se difundió a lo largo del río), carecía de la libre improvisación de los estilos más sureños. Handy, por muchos años acusó al jazz de ser innecesariamente caótico, y en su estilo la improvisación estaba limitada a cortos rellenos entre frases considerándolo inapropiado para la melodía principal. wikipedia

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temprana forma de jazz

En el norte de Estados Unidos, se desarrolló un estilo "caliente" de tocar ragtime. Centrándonos en la ciudad de Nueva York, se puede encontrar este estilo en las comunidades afroamericanas desde Baltimore hasta Maryland. Algunos comentaristas posteriores han categorizado esta forma musical como una temprana forma de jazz, mientras que otros discrepan. Fue caracterizado por su ritmo jovial, pero carecía de la influencia "blues" de los estilos sureños. Las versiones solistas de piano del estilo norteño fueron tipificadas por pianistas como el célebre compositor Eubie Blake (un hijo de esclavos cuya carrera musical se extendió durante ocho décadas). James P. Johnson tomó el estilo norteño y en 1919 desarrolló un estilo propio para tocar que fue conocido como "stride", también conocido como "barrelhouse piano". En este estilo, la mano derecha toca la melodía, mientras que la izquierda camina o "da saltos" de un compás más rápido a uno más lento, manteniendo el ritmo. Johnson influyó a pianistas posteriores como Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Art Tatum y Billy Kyle.
El principal líder orquestal de este estilo fue James Reese Europe, y sus grabaciones de 1913 y 1914 preservan un raro vislumbre de la cumbre de este estilo. Fue durante estos tiempos cuando la música de Europe influyó en un entonces joven George Gershwin, quien compondría la clásica "Rapsodia en azul" ("Rhapsody in Blue") inspirada en el jazz. En la época en que Europe grabó nuevamente, en 1919, Gershwin incorporó a su vez la influencia que había tenido en él el estilo de Nueva Orleans a su música. Las grabaciones de Tim Brymn dieron a las generaciones siguientes una mirada diferente del "caliente" estilo norteño sin ser demasiado evidente la influencia de Nueva Orleans. wikipedia

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Valona

La valona es una forma musical y literaria popular cultivada en el estado mexicano de Michoacán. Se caracteriza principalmente por: un ácido sentido del humor, sobre todo referido al erotismo (llega a ser explícitamente sexual) y preocupaciones sociales; sus letras se componen en estrofas de diez versos octosílabos; musicalmente, todas las valonas se cantan (de hecho, casi se recitan) con una misma tonada, y llevan un estribillo musical variable.
Como género narrativo popular, la valona está emparentada literaria y musicalmente con el corrido mexicano, y por su estilística, es afín a otros géneros mexicanos compuestos en estrofas de diez versos («décimas» o «espinelas»), como algunos huapangos y el son arribeño, así como otros géneros hispanoamericanos como el run-run chileno y las rapsodias de los «payadores» argentinos.

La palabra valona también es un localismo de Elche (España). Parte superior del estipe de la palmera datilera en contacto con el penacho de hojas, de donde sale la yema apical. Asi mismo, se denomina valon(a) al natural del territorio belga. wikipedia

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Son de tamborileros de Tabasco

El son de tamborileros es una expresión de la cultura de Tabasco, México que combina melodía y ritmo (sin acordes) y danza. Su compás es generalmente binario o ternario, con síncopas y contratiempos. Inicialmente comenzó en la región chontal.
El ensamble se compone de flauta de carrizo de seis agujeros y tamboriles de diferentes tamaños, generalmente de tamaño grande (bajo o macho) y pequeño (requinto o hembra). La cabeza de los tambores está forrada con cuero de venado o de borrego.
Su repertorio puede cubrir sones folclóricos y piezas populares. wikipedia

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Música calentana

La música calentana o música de Tierra Caliente es una expresión de la cultura calentana en México que combina la música, la danza y la poesía popular. Su ritmo es frenético, armónico, generalmente sesquiáltero que alterna generalmente compases de 6/8 y 3/4, con síncopas y contratiempos.
El conjunto calentano se compone violín, guitarra y tamborita, y puede tener también guitarra panzona, arpa y contrabajo.
Su repertorio cubre son calentano y gusto, y otras formas musicales como india, malagueña, petenera, vals, polka, pasos doble, chilena, minuet, corrido, ranchera, danzón, bolero, canto de arrullo o de cuna, música para entierro de mayores y para angelitos.
Intépretes: Isaías Salmerón Pastenes, Filiberto Salmerón Apolinar, Juan Reynoso Portillo, Ángel Tavira, Hilario Salgado, Alfonso Salgado. wikipedia

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Protocolo de san jarocho

Protocolo de los cantadores: Actualmente se observa un descuido en las reglas de cantar. Sin embargo , existen reglas claras acerca de esa actividad. Como el guitarrero también llamado requintero o punteador ocupa el lugar central frente a la tarima y los jaraneros mas viejos los flancos inmediatos, a los cantadores les corresponde el lugar de los flancos extremos, y a los aprendices los lugares de atrás.Los músicos en los Tuxtlas se afinan al tono de los cantadores y estos conviene entre sí el número de coplas, correspondiendo al guitarrero la detonación y la orden de terminar el son.El ambiente ampliamente participativo del fandango da la impresión de desorden. No es así. De acuerdo a las reglas antiguas el máximo de cantadores en un son de fandango es de cuatro y el pregón es la manera de apartar el siguiente turno en la ronda.El relevo de cantadores está permitido pero para ello debe desocuparse el lugar de los flancos y ser ocupado por los nuevos cantadores siempre y cuando así lo autorice el guitarrero quien puede en cualquier momento dar por concluido el son. wikipedia


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versada fija del jarocho

Versada fija:A diferencia de los corridos o de las canciones, boleros y demás, no existe una versada fija en el son jarocho. lo que existe es un tema carácterístico de cada son y un desarrollo temático que corresponde al estilo propio del cantador. Existe una gran cantidad de versos y coplas del dominio público que son cantadas en cada son, pero dicha preferencia es totalmente opcional.También existe el ejercicio de la improvisación de coplas que son elaboradas en el momento mismo de la ejecución del son, pero tampoco existe una obligación de improvisarlas a menos que se trate de un contrapunteo entre repentistas. wikipedia

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Pinotepa

A mediados del siglo XX, la chilena se convirtió en un género muy socorrido por los compositores de la música popular de aquella época. Álvaro Carrillo compuso varias chilenas que se han convertido en obligadas para los chileneros y emblemas de la música suriana. Ejemplo de ello son Pinotepa, que ha sido interpretada entre otros por Lila Downs; o La yerbabuena célebremente interpretada por el Dueto Caleta y el Dueto Río Balsas. Durante ese tiempo, la chilena se hizo acompañar por los tríos comunes que interpretaban bolero. Quizá ello contribuyó a la extinción casi total del bajo quinto y el violín, que dejaron su lugar a las guitarras y el requinto.
Si bien la interpretación de chilenas con banda de aliento es bastante antigua, en la actualidad las bandas de viento comerciales del Norte de la República principalmente también difieren en la instrumentación con respecto a la banda tradicional de la región más austral. Las primeras eran más propias de las regiones montañosas de Oaxaca, pero poco a poco los costeños las adoptaron como propias, en tanto que la gente de los valles centrales y la sierra introducía la chilena como un género popular. Las segundas, a partir del siglo XX, han introducido el uso de teclados, bajo eléctrico, guacharacas, guitarra eléctrica y otros, con gran aceptación entre la gente de la Costa de Guerrero y Oaxaca.


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Instrumentación

La chilena tradicional se tocaba con instrumentos de cuerda. Esta instrumentación ha ido cediendo lugar a las bandas de alientos, características de gran parte del estado de Oaxaca. Sin embargo, se conserva el conjunto chilenero original en algunas regiones, y existen algunos movimientos que buscan revitalizarlo, como el que ha dado lugar al Festival de la Chilena, que se celebra en la villa de Santiago Jamiltepec, Oaxaca a dicha villa se le conose como cuna de la chilena . Dicho conjunto instrumental incluía guitarra, bajoquinto --una cordófono de diez cuerdas organizadas en cinco órdenes, de sonido áspero y grave--y violín, algunas veces acompañados por arpa . Los tres últimos son ejecutados ya por muy pocos músicos en esa región específica. En 1963, por ejemplo, Thomas Stanford^[1] grabó a un conjunto de Cruz Grande, Guerrero, que ejecutaba la chilena Viborita de la mar con arpa y tamboreo sobre la caja de resonancia de ese instrumento. Stanford señalaba que el arpista --Eduardo Gallardo-- ya era muy anciano, y era uno de los dos últimos ejecutantes del instrumento que quedaban en la zona. wikipedia

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Características de la chilena

Compás de 6/8 generalmente sesquiáltero que se alterna con 3/4, característica que comparte tanto con la cueca chilena como con la gran familia de sones mexicanos. Una chilena tradicional consta de varias partes, alternando los solos instrumentales con las coplas cantadas al ritmo del acompañamiento. Las coplas de la chilena suelen ser cuartillas, con rimas alternadas entre el segundo y cuarto versos. Al final del cuarteto, se incluye un estribillo que puede ser de dos y hasta cuatro versos, dependiendo del compositor. En otras ocasiones, el estribillo lo constituye la frase musical, en tanto que los versos cambian cada que remata el canto de la estrofa. La temática es muy amplia: existen chilenas que describen la región geográfica de las costas de Guerrero y Oaxaca, pero abundan las de temática amorosa. Generalmente, los letristas de chilenas introducen en sus composiciones mensajes que pueden tener un doble sentido o con una fuerte carga sexual wikipedia

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Difusión de la chilena

En México se baila, interpreta, disfruta, cultiva y desarrolla la Chilena, todavía hoy día con bastante fuerza, en la región de la Costa Chica de los estados de Guerrero y Oaxaca; con una presencia algo más fuerte en este último, donde se interpretan y componen Chilenas en otras regiones, sobre todo en la Sierra sur o Sierra de Miahuatlán, -interconectada directamente con la costa- aunque con estilos particulares y distintas dotaciones instrumentales. También en la Sierra Norte Zapoteca y la Sierra Mixe se interpreta la Chilena, y también se componen aunque no en mucha cantidad. Más recientemente también se ha ido introduciendo en la variedad o dotación de banda de viento en las regiones de la Mixteca Alta de Guerrero y de Oaxaca, esto con la reciente introducción y desarrollo de las bandas de viento en esa región que han ido modificando su repertorio y dotación por la hegemonía de la banda de viento sinaloense. wikipedia

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orígenes del vocablo chamamé

Referente a estas denominaciones existe gran variedad de opiniones respecto a los orígenes del vocablo chamamé. Así, se conocen expresiones tales como: che ama mí; che amoa memê; che aimê amemê; che amamê aimê; che memê; che amô amemê; ñamo chamamê namê; che amamê; che amapê; etc.
Isidro Mario Flores en su diccionario de la lengua guaraní, dice: "Chamamé, nombre de un pueblo formado por una de las tribus de guaraníes a la que erróneamente se les dice Charrúas".
Según el historiador Manuel Florencio Mantilla, "... no es así, sino chacha o chana, esta tribu habitaba sobre la costa del Uruguay. En esta población fue descubierta esta música (chamamé) por los jesuitas y que, a raíz de los aborígenes quiere decir en el conjunto o en el montón de los cha o chana.
Don Alejandro Miranda de Saladas (Corrientes), indica: ". Bianchetti, profesor de guaraní, me explicaba que el chamamé se originó en la frontera de Corrientes y Brasil". En este sentido, el profesor Juan de Bianchetti, profundo conocedor y estudioso del idioma guaraní, afirma. haber comprobado personalmente que la tribu kaiguá de Santa Catalina-Brasil (que en un tiempo habitó parte del territorio de Corrientes y Misiones), canta y baila una danza llamada chamamé , que tiene el mismo ritmo melódico y desplazamientos coreográficos de nuestro baile , acompañándose con una especie de tambor redondo y alargado, una flauta de tacuara de cinco agujeros y una guitarra de cinco cuerdas, llamada también mbaracá, como la nuestra.
"El chamamé - dice - es el nombre originario de la música y el baile guaraní, que para honor de nuestras tradiciones, se ha perpetuado en Corrientes. Aparentemente es denominación contemporánea por causa de la extranjerizante modalidad de perseguir todo lo guaraní - que se practicó desde la conquista.
Hasta hace poco, hasta la palabra chamamé se fue olvidando; pero como la música supervivió en el alma del pueblo, transaron los persiguidores en disfrazarla con el nombre extranjero de polka. wikipedia

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El cordófono (arpa)

El cordófono (arpa) también se perdió en el tiempo, y actualmente, es utilizada casi con exclusividad en la República del Paraguay. Otro producto del ingenio musical guaraní, fue el que emulado, habría llegado a ser el acordeón que en 1829 perfeccionaron Damián de Viena (quien fue el primero en patentar un acordeón) y Sir Charles Wheatstone, creador de los bajos. Sucesivamente aportaron reformas al instrumento, C. Buschmann y Bussón, en 1840.
Consideramos que el instrumento guaraní indicado, se trataba de una caja de madera con agujeros a la cual se le insuflaba viento por un sistema de fuelle manual; copiado del fuelle a pedal del órgano y similar al usado en la fragua, ambos elementos introducidos en la cultura guaranítica por los jesuitas.
Los sonidos de dicho instrumento, se lograban tapando destapando con los dedos, los agujeros de la caja; en actitud similar a la digitación que actualmente se realiza con los botones del acordeón.
Apoyamos nuestras consideraciones (que creemos de fundamental importancia, por cuanto arrojarían la luz necesaria sobre los orígenes del acordeón), en las siguientes citas: " ......Yapeyú, no sólo llegó a ser un gran emporio musical, por la escuela musical que allí se fundó, sino también por haber llegado a ser el gran taller de toda clase de instrumentos musicales: órganos, arpas, violines, trompas, cornetas, y toda clase de instrumentos musicales eran allí fabricados con singular destreza y exportados a las reducciones indigenas y a las ciudades de los españoles". Padre Furlong (Músicos Argentinos, p ág. 73 y 74).
"...En varias reducciones existen, hoy día, maestros indios que saben hacer de la vibrante madera de cedro un arpa de David, clavicordios, chirimías, fagotes y flautas; mis herreros han aprendido a fabricar los taladros que se necesitan para hacer las aberturas acústicas de los instrumentos de viento". Padre Antonio Sepp. Yapeyú . Año 1691 (Continuación de las labores apostólicas - pág. 137).
Así como la raza guaraní tenía su música propia y fabricaba sus propios instrumentos musicales (algunos de los cuales trascendieron perfeccionados), también los guaraníes tenían su especial denominación para sus danzas; ya fueran estas religiosas, guerreras o alegres.
Al sonido musical lo llamaban pú, y a la música mbaepú; y a la acción de ejecutar, mbopu; al canto lo llamaban purajhei y a las danzas en general, la denominaban jeroky [yerokï), con todas las derivaciones y alcances del vocablo. wikipedia

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Origen del estilo musical y del vocablo chamamé

El Chamamé es un estilo musical con raíces indígenas, su base musical es guaraní. A esta base musical guaraní, con el tiempo, se le agregaron influencias jesuitas, españolas, y sobre todo alemanas (el acordeón, bandoneón y un poco en su compás). Este ritmo tradicional argentino, se podría definir de la siguiente manera: ritmo originalmente indígena, perfeccionado con el tiempo y las distintas influencias que tuvo, entre las cuales destaca la alemana. Lo guaraní se puede ver por ejemplo en el "sapucai" y lo alemán en el acordeón, ya que cualquier grupo de chamamé tiene un acordeón (sea de teclas y pistones o de pistones a los dos lados), un bandoneón o ambos instrumentos. A continuación se explica todo esto, más detalladamente y con reseñas historicas y notas de historiadores.
Es posible que este vocablo haya nacido, o sea originario de algún lugar de la región que representa; o que el pueblo lo haya exhumado de su bagaje tradicional, donde estaba adormecido. Acertada o no, real o ficticia la denominación de chamamé, el pueblo aceptó la misma, y así la difunde.
Si bien son relativos los antecedentes sobre los que pueda basarse un análisis cierto y valedero referido a los orígenes, de la denominación y sus implicancias, podemos remontarnos en las paginas del tiempo, al siglo XVII; y geográficamente al nordeste correntino, más propiamente determinado por las orillas del Rió Uruguay. Allí, tuvieron su asentamiento las raíces étnicas de nuestra raza guaraní (según lo que se conoce), fuertemente influenciadas por las corrientes jesuíticas, que en los albores del año 1600, fundaron las primeras reducciones.
[[ Según Emilio Noya (Diario El Litoral de Corrientes, 11/10/1973, pág.7) "Las primeras reducciones de la compañía de Jesús, establecidas en la zona guaraníticas hacia el año 1609, advierten sorprendidas que los aborígenes poseían música propia y además, fabricaban instrumentos rudimentarios para acompañar sus danzas rituales y ejecutar motivos onomatopéyicos".
Algunos de los instrumentos mencionados por Noya, se perdieron a través del tiempo, tal como: congoera (flauta grande hecha con hueso); tururu (trompeta fabricada indistintamente con asta de caña); mburé (trompeta de tacuara); mbaracá (especie de guitarra cuya caja era de calabaza y constaba de cinco cuerdas); guatapú (bocina para atraer los peces); mimby (flauta de tacuara, similar a la quena); ectc. ; cuyos antecedentes llegaron hasta nuestros días, únicamente a través de las obras de algunos musicólogos. wikipedia


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Chamamé

El chamamé es un género bailable de música folclórica argentina, correspondiente a la música litoraleña. Es escuchado sobre todo, en la provincia de Corrientes, Norte de la Provincia de Entre Ríos, Centro-Este de Formosa, Noreste de Santa Fé, Este de la Provincia de Chaco y en toda la provincia de Misiones, región denominada Litoral argentino. La palabra chamamé proviene de la frase en idioma guaraní "ñe'ẽ mbo'e jeroky", que quiere decir "cantos danzas".
Se caracteriza por una disposición musical poli-rítmica en la que la estructura de apoyo (bajo-base) se ejecuta en pie binario (3/4), mientras que la melodía, es decir el canto como los instrumentos de rasgueo, se sobreponen melódica y tonalmente con una estructura ternaria (6/8).
La danza puede tener un ritmo alegre y animado, o, por el contrario, ser triste y alegórica. wikipedia

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Mercedes Sosa

En 1977 Mercedes Sosa, censurada, lanzó uno de sus álbumes más logrados, Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui, complemento del que dedicara a las canciones de la chilena Violeta Parra, seis años antes.^[104] Ese mismo año, Marián Farías Gómez, también víctima del exilio y la censura, grabó en París, con su hermano, el álbum Marian + Chango, incluyendo la participación de Kelo Palacios y Oscar Alem; el disco recién pudo editarse en Argentina en 1981.
Uno de los momentos más negativos de este período es la muerte del cantante Jorge Cafrune. En enero de 1978 Jorge Cafrune cantó Zamba de mi esperanza en el Festival de Cosquín, una tradicional canción que el público le pedía pero que se encontraba prohibida debido a que se refería a la esperanza.^[105] Cafrune entonces dijo «aunque no esté en el repertorio autorizado, si mi pueblo me la pide la voy a cantar». Pocos días después, el 31 de enero de 1978, murió atropellado por un automovilista que se dio a la fuga cuando el artista se dirigía a caballo a Yapeyú. Existen serias sospechas de que se trató de un asesinato ordenado por el gobierno militar y ejecutado por el entonces teniente Carlos Villanueva,^{[106] [107]} a quién dos sobrevivientes del centro clandestino de detención La Perla han señalado como la persona que dijo que «había que matarlo para evitar que otros cantantes hicieran lo mismo».^[108]
Entre los trabajos destacados de este período se encuentra la obra del cantautor Víctor Heredia, quién sufrió la desaparición de una hermana, y compuso canciones emblemáticas para ese momento, como Todavía cantamos, Sobreviviendo, Informe de situación. También se destaca su álbum Víctor Heredia canta Pablo Neruda (1977), dedicado íntegramente a musicalizar al gran poeta chileno, cuyas obras eran censuradas por las dictaduras latinoamericanas de entonces. En este período y en el exilio, se desarrolla gran parte de la obra innovadora del ensamble Anacrusa, fundado en 1972, cuya éxito creciente en Argentina fue cortado abruptamente por la dictadura y el exilio. Algo similar sucedió con los primeros álbumes del Quinteto Tiempo, prohibidos en Argentina y difundidos exclusivamente en el exterior.
Por su parte, el Chango Farías Gómez, desde el exilio, constituyó un grupo denominado Cancionero de la Liberación con el fin de actuar contra el régimen militar. El grupo logró el apoyo del presidente de Panamá Omar Torrijos, quien les facilitó el avión presidencial con inmunidad diplomática, que fuera utilizado para sacar del país a opositores perseguidos.^[109]
En este período aparece Margarito Tereré, un personje infantil de historieta bajo la forma de un yacaré de cultura litoraleña, creado por el músico Waldo Belloso y su esposa la poetisa Zulema Alcayaga. Margarito Tereré tuvo un programa de televisión, una película (1978) y varios álbumes, donde cantaba con sus amigos canciones folclóricas dirigidas al público infantil.^[110] Entre las canciones más memorables se encuentran Qué se va el cartero y El gato de la calesita. La pareja también fue autora del Himno a Cosquín.
En 1978, se grabó en Francia la Cantata Tupac Amaru, sobre un libro de poemas de Atahualpa Yupanqui (El sacrificio de Tupac Amaru, 1971) y música de Enzo Gieco y Raul Maldonado, interpretado por la Agrupación Música de Buenos Aires, dirigida por Enzo Gieco con la participación del Coro Contemporáneo de Buenos Aires, dirigido por Jorge Armesto wikipedia

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La música folclórica durante la dictadura militar de 1976

La dictadura militar que tomó el poder en 1976 afectó fuertemente la producción de la música folclórica argentina, dañada por la censura, las listas negras y las persecuciones a las que fueron sometidos los artistas, muchos de los cuales debieron exiliarse, debido a lo cual muchos discos fueron grabados y difundidos fuera de Argentina (Alemania, España, Francia, México, etc.), pero no llegaron a ser escuchados por el público argentino. En esa época se hizo habitual que los músicos recibieran reiteradamente la misma advertencia telefónica anónima: «o te callás o sos tierra de cementerio».^[99] Las acciones represivas y listas negras contra artistas e intelectuales a ser secuestrados o censurados, fueron conocidas como Operativo Claridad.^[100]
Los integrantes del grupo Markama cuentan que "los obligaban a cambiar las letras de sus canciones porque ciertas palabras, como «pobre», «libertad» y «pueblo», estaban prohibidas; optábamos por cantarlas igual, pero en lengua quechua".^[101]
En 1976 Los Andariegos lanzaron su álbum Madre Luz Latinoamérica,^[102] su obra culminante y al mismo tiempo una manifestación crítica, que los haría víctimas de amenazas y finalmente llevados a disolverse y exiliarse en 1978.^[103] En aquella oportunidad el grupo había escrito lo siguiente en la contratapa del álbum:
Pero Madre Luz Latinoamérica no quiere ser sólo una obra descriptiva. Los simbolismos usados trasuntan un auténtico deseo de liberación y toma de conciencia. Los Andariegos, comarcanos y de larga data, nos confundimos en la musicalidad y en la esencia hispanoamericana porque nos sentimos y nos sabemos hijos de la Patria Grande y nos enorgullece poder cumplimentar en ritmos e instrumentos el sueño de nuestros Libertadores: ¡América Morena, únete, que unida serás grande... wikipedia

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Los Cantores de Quilla Huasi

También se destacaron los álbumes de Los Cantores de Quilla Huasi dedicado íntegramente al tango (publicado originalmente en 1972 en Japón bajo el título La cumparsita y relanzado en 1975 en la Argentina como Tangos por Los Cantores de Quilla Huasi) y de Los Cantores del Alba interpretando canciones mexicanas, en la serie Entre gauchos y mariachis, lanzados entre 1975 y 1977.
En 1972 y 1973, se estrenaron las películas Argentinísima y Argentinísima II, de Fernando Ayala y Héctor Olivera, documentales musical-folcóricos, filmada en escenarios naturales de todo el país, con participación de los principales artistas del folclore argentino.
De 1973 y 1974 datan los famosos conciertos en vivo realizados por el músico estadounidense Paul Simon con el grupo Urubamba, integrado por los argentinos Jorge Milchberg (charango), Uña Ramos (quena y siku) y Jorge Cumbo (flauta), y el uruguayo Emilio Arteaga (percusión). El éxito de los mismos llevó la música andina a su consagración mundial e hizo de El cóndor pasa la canción más conocida del folclore indoamericano. Los recitales están grabados en dos álbumes: Paul Simon in Concert: Live Rhymin con los registros de los dos recitales realizados en el Royal Albert Hall de Londres en junio de 1973, y Paul Simon in concert live composin' and the Band, grabado en Tokio el 20 de febrero de 1974.
En septiembre de 1974 el gobierno de la presidenta María Estela Martínez de Perón secuestró y destruyó el master y los discos de la Misa para el Tercer Mundo, interpretada por el Grupo Vocal Argentino Nuevo, con música de Roberto Lar y textos del sacerdote Carlos Mugica, éste último asesinado pocos meses antes por la organización terrorista Triple A. La obra se preservó a partir de algunas pocas unidades que habían sido distribuidas y recién volvió a interpretarse en 2007 wikipedia

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Metodología musical de la carranga

La carranga se interpreta con: guitarra, tiple, requinto y guacharaca, y claro está, voces humanas dividas en voz principal y coros. Quien es la voz principal, suele tocar la guacharaca.
Es un género muy alegre y fiestero, que pregona la tradición campesina, el amor por el campo, la ecología, el buen humor, y la crítica social. Entre los grupos más representativos de Carranga encontramos: los Carrangueros de Ráquira (1980), Jorge Velosa y los Hermanos Torres (1990), Velosa y Los Carrangueros, El Pueblo Canta, El Son de Allá, Los hermanos Amado, Campo Sonoro, Los del Pueblo, Pataló, Caminata, Los Fiesteros de Boyacá, Los Filipichines, Embejucado y los de Mejor Familia, El Tocayo Vargas, Junífero y los Jornaleros de Betulia y Los Carrangos de Medellín entre otros. wikipedia

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Carranga

La carranga, música carranguera o música campesina, es un género de música folclórica surgida en la región andina colombiana, más exactamente en el departamento de Boyacá en los años 70, de mano del médico veterinario Jorge Velosa^[1] y los Carrangueros de Ráquira.
Su origen se atribuye al cruce entre el merengue campesino del altiplano cundiboyacensantandereano y la rumba criolla, el paseo vallenato y otros géneros como el bambuco y el torbellino.
Hoy en día existen incontables grupos de música carranguera o "carranga", convirtiéndose así en una escuela a nivel nacional.
Este estilo musical se destaca comúnmente por la "jocosidad", de los versos interpretados por los artistas, en donde comúnmente se encuentran frases con doble intención, o de conciencia ecológica. wikipedia

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Bunde Tolimense

El bunde tolimense^[1] es un ritmo de la región andina colombiana del Gran Tolima, actualmente Huila y Tolima. Es un ritmo alegre, un poco lento, que entrelaza a sus ritmos hermanos: Rajaleña, Pasillo, Guabina, Torbellino y Bambuco; además sus primos: Vals, Mazurca, Redova, Chotis. Los más conocidosos son el Himno del Tolima, con música de Alberto Castilla y letra de Nicanor Velásquez y El Republicano de Luis A. Calvo.
Se dice según los habitantes de la región que el escritor Nicanor Velásquez escribió las hermosas melodías de esta canción en un vieja esquina del municipio del Espinal, en la cual hoy en día dicha esquina existe un monumento al Bunde Tolimense. wikipedia

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